Bach, Mendelssohn, Bruckner et Hildegard von Bingen
Octuor vocal
Dimitri Chostakovitch, Arvo Pärt, Jean-Paul Dessy, Anne Martin
Maxime Désert (alto) & Mariane Marchal (piano)
Avant Beethoven, il y a ceux qui l’ont rêvé :
Schubert adolescent, Webern à l’orée du silence, tous deux portent en eux une dette invisible envers Ludwig.
On les écoute attendre…
Anton Webern
Mouvement pour trio à cordes, opus posthume (1925 ?)
Franz Schubert
Trio inachevé en Sib majeur D. 471 (1816)
Version complétée en 2000 par Brian Newbould
Ludwig van Beethoven
Trio à cordes en Mib majeur, opus 3 (1792)
TRIO ARNOLD
Shuichi Okada : violon
Manuel Vioque-Judde : alto
Bumjun Kim : violoncelle
[2027 : 2e centenaire de la mort de Beethoven]
l’OVNI Baroque explore ici l’infinie possibilité de variations au sein d’un cadre répétitif et lancinant en nous proposant (entre autres compositions) des œuvres de Jean Sébastien Bach et Heinrich Biber
La Chaconne de Bach et la Passacaille de Biber, deux pièces mythiques, qui font rêver le public et fascinent également les violonistes, sont marquées par la répétition inlassable d’une basse obstinée matérialisée ici grâce au pédalier d’un orgue, qui nous dévoile les secrets d’une mystérieuse monumentalité…
Emmanuelle Dauvin, violon baroque et pédalier d’orgue
Depuis 2017, Emmanuelle Dauvin est partie à l’aventure en ressuscitant une pratique étonnante venue de l’époque baroque : violoniste, elle s’accompagne elle-même en jouant sur un pédalier d’orgue – c’est l’OVNI Baroque
Chaque année au printemps, le 21 mars, jour de naissance de Jean-Sébastien Bach, est fêtée la Journée de musique ancienne à l’initiative du Réseau Européen de Musique Ancienne. Ce concert s’inscrit dans ces célébrations.
Vents d’Est / Les yeux noirs…
Les transcriptions de grandes œuvres de Moussorgski (Les tableaux d’une exposition) et Borodine (Dans les steppes de l’Asie centrale) entrent en résonance avec des compositions traditionnelles klezmer et d’Europe Centrale (Pologne, Ukraine, Roumanie, Bulgarie) pour finir avec un clin d’oeil aux comédies musicales new-yorkaises
Rebecka Neumann hautbois
Orane Pellon clarinette
Audrey Crouzet cor anglais
Felix Bacik trombone
Émilien Courait tuba
Sophie Boucheau & Arthur Coatalen, piano
Ces deux jeunes pianistes se sont rencontrés en 2022 au Conservatoire National Supérieur de Paris, où ils terminent actuellement leurs études. Chacun a déjà un magnifique parcours, jalonné de concerts en France et au-delà, début d’une vie musicale qui s’annonce sous les meilleurs auspices !
Ils ont imaginé pour vous ce programme sur le thème de la fantaisie, l’une des formes musicales les plus libres qui soit :
1 – A. Coatalen
Claude Debussy : Deux préludes
Franz Schubert : Fantaisie Wanderer en do Majeur
2 – S. Boucheau & A. Coatalen
Franz Schubert : Fantaisie en fa mineur, à quatre mains.
3 – S. Boucheau
Robert Schumann : Fantaisie en do Majeur
CONCERT EXCEPTIONNEL !
Cap sur la 5ème Symphonie, dont la profusion d’images donne le vertige. Œuvre puissante devenue tube, Gustav Mahler y fait passer l’auditeur par toutes les émotions : marche funèbre, final euphorique, adagietto viscontiesque (il sert de bande son au film « Mort à Venise »)…
Pourquoi un cycle Mahler avec un ensemble de musique contemporaine ? Parce que Mahler était d’abord un musicien extrêmement contemporain pour son époque. Un musicien de l’hétérogène qui n’hésitait pas à s’inspirer de chants populaires venant de toute tradition, de la nature qui l’environnait, de l’héritage de l’histoire de la musique. L’occasion de travailler la beauté du son, sa profondeur, la mise en relation des instruments entre eux.
Les symphonies de Mahler sont écrites pour grandes formations. Là, nous parlons d’une « réduction ». Ces réductions pour orchestre de chambre exigent des musiciens un effort très particulier pour en donner une lecture complètement nouvelle et épurée, où la lisibilité du contrepoint, de chaque ligne instrumentale, remplace la masse sonore propre au très grand orchestre symphonique.
Mahler est à la fois le père d’une forme de modernité musicale mais aussi l’un des compositeurs qui permet le mieux de travailler cette beauté instrumentale et cette texture orchestrale.
Nous vous invitons à vivre cette expérience sensorielle unique à la découverte d’une nouvelle écoute de ce chef d’œuvre !
Arrangement et transcription par Klaus Simon (2014) pour :
Quatuor à cordes, contrebasse, flûte traversière, hautbois, 2 clarinettes, basson, 2 cors, trompette, accordéon, harpe, piano et 3 percussionnistes.
Le pianiste et chef d’orchestre allemand Klaus Simon, qui est né en 1968 à Überlingen, s’adonne depuis de nombreuses années à un exercice que les puristes réprouvent et accusent de tous les maux : l’arrangement. Pour Klaus Simon, il y va là d’une activité artistique à part entière et, s’il en a fait sa spécialité, c’est dans le but, déclare-t-il, de montrer davantage la richesse plastique et sonore de certaines grandes œuvres du répertoire. Le compositeur qu’il aime arranger par-dessus tout n’est autre que Gustav Mahler…
Bruno Mantovani, né en 1974, est d’abord un compositeur dont les œuvres sont jouées dans le monde entier et ont collectionné les récompenses internationales. Comme chef d’orchestre il a dirigé les plus grandes phalanges et est à la tête de l’EOC depuis 2020. Il a été directeur du Conservatoire National Supérieur de Paris de 2010 à 2019 et dirige aujourd’hui celui de Saint-Maur-des-Fossés. Il dirige aussi le Printemps des Arts de Monte Carlo depuis 2021.
Concert en partenariat avec Les Amis de la Musique en Vendômois et le soutien de Monceau Assurances
Un quatuor à deux…
Deux chanteurs – un ténor et un baryton – s’accompagnent eux-mêmes d’instruments à cordes frottées et pincées typiques de l’époque baroque et nous proposent des musiques du 17e siècle à travers l’Europe, en France, Italie, Angleterre…
Avec
Marco Horvat : chant, théorbe, lirone, guitare baroque
Francisco Mañalich : chant, basse de viole, guitare baroque
« Chanter sans être contraint de s’accommoder à d’autres qu’à soi-même – comme l’écrit Giulio Caccini – est une discipline qui ouvre à l’interprète et à ses auditeurs de vastes horizons. Elle permet de disposer d’un degré de liberté que n’offre que trop rarement la complicité entre un chanteur et son accompagnateur, fût-elle profonde et doublée d’un travail rigoureux.
Mêler le son des cordes pincées ou frottées aux inflexions de la voix, soutenir délicatement celle-ci d’un accord, d’une note ou, au contraire, lui insuffler une énergie rythmique qu’elle ne trouverait pas seule, cela s’est fait depuis la nuit des temps. Qu’il s’agisse de la lyre des anciens, de la harpe des trouvères et des troubadours, du luth des contemporains de Ronsard, de la viole de Hume, du chitarrone de Caccini ou du théorbe de Lambert, le principe est le même : créer un espace sonore où « la voix est libre », où les mots peuvent être clairement proférés et entendus, afin que la poésie parvienne à toucher, car tel est bien le maître mot.
Marco Horvat et Francisco Mañalich font partie des très rares interprètes contemporains capables de redonner vie à cette pratique essentielle pour comprendre la monodie baroque. Ils se devaient donc de monter ensemble un programme à leur mesure, où les nombreuses combinaisons de voix et d’instruments qu’ils sont susceptibles de créer trouveraient un répertoire à servir de : Gabriel Bataille, François Campion, Thomas Campion, André Campra, Bellerofonte Castaldi, Dubuisson, Charles Dufaut, Charles Hurel, Tobias Hume, Sébastien Le Camus, Carlo Milanuzzi, Henry Purcell, Giulio San Pietro de’ Negri »
